diciembre 15, 2012

forrest gander_an interview

 

[Mérida, Yucatán, 21.01.2009]

U.S. Poets in Mexico/USPIM, un encuentro de poetas estadounidenses de primer nivel, se llevó a cabo del 12 al 16 de enero en la ciudad de Mérida, en el edificio de Artes Visuales de la Escuela Superior de Artes de Yucatán/ESAY. El salón de usos múltiples en la ex estación de ferrocarriles fue el punto de reunión conveniente para que C.D. Wright, Mónica de la Torre, Jack Collom, Bob Holman y Forrest Gander mostraran algunas de las técnicas y procedimientos más empleados de la poesía norteamericana actual, en un contexto cálido, intensamente humano, pese al clima lluvioso de principios de año y las diferencias lingüísticas. 

Bajo estas circunstancias de profundas implicaciones emotivas, Forrest Gander accedió a responder una entrevista. El poeta y geólogo californiano, nacido en el desierto de Mojave, ha publicado 10 libros de poesía, entre ellos Eye against eye, Sound of Summer Running (con fotografías de Ray Meeks), Torn Awake, además del ensayo A Faithful Existence, la novela As A Friend y las traducciones Firefly Under the Tongue: Selected Poems of Coral Bracho y No Shelter: Selected Poems of Pura López Colomé, entre otros títulos.

Para no perdernos en la traducción, hemos decidido publicar la entrevista en su idioma original.
 
Christian Núñez (CN): How was the experience of being in Merida?
Forrest Gander (FG): I love the distinctiveness of the Yucatan.

CN: What was the most important thing of this city?
FG: The cultural richness. In the short time I was there, I attended a concert directed by the composer and musician Javier Alvarez, a concert by Ely Guerra, and I received invitations to attend the Literatura y Bebida conference where two poets I admire, Blanca Luz Pulido and Elsa Cross were speaking.  Also, I was impressed by the diversity of influences that I saw everywhere around me —Merida is a city showing French, Lebanese, Mayan, and Spanish elements.
 
CN: Would you say something about the poetry course?
FG: The course was very well organized by Sheila Lanham so that poets from Mexico —from Mexico City, Campeche, San Miguel, and Merida —and from the United States and Canada worked together in small groups, talking about poetic strategies, sharing ideas, comparing poems, and offering advice. Then there were nightly bilingual readings that were attended by many local people, some who spoke English and some who spoke Spanish.  

CN: For you, what is a good poem?      
FG: I’ve never been able to define it without limiting it. I know that good poems stimulate my emotions, my intellect, and my imagination, and that the words engage me at the deepest level, through my body, so the impact of a good poem is profound and penetrating and often slightly strange. Good poems don’t merely corroborate the ideas and perceptions we already share.

CN: In your text, the individual experience becomes an indispensable component to transmit sensations to the reader. You make him shake. I have read Final Testament and Repeating Dream, from the book Deeds of Utmost Kindness. It was an intense experience. How do you get it?
FG: As it is with you, Christian, or with Fernando de la Cruz, with me, the goal is to try to create not just a commentary but an enactment of complex experience in language.   

CN: You told me that you are interested on philosophy. Which philosophers have influenced on your reality and how they have affected your work in literature?
FG: I think you and I both share an interest in Heidegger, Christian. But I’m very much interested in phenomenology and ethics after Heidegger, in the work of Maurice Merleau-Ponty, Emmanuel Levinas, and Paul Ricouer for instance.  I’m obsessed with the relation between language and perception.  

CN: Every poet wants to translate certain ideal of beauty and because of that desire he builds his speech. How has changed your perception of beauty on your poetry?
FG: I’ve come to think that beauty in poetry means “what works” (lo que funciona). It certainly doesn’t only refer to aesthetic balance. Andre Breton famously said that “Beauty will be convulsive or it will not be at all.” These days, what I find beautiful in poems are those moments —and they can be revealed by syntax or line break or image or word choice— that open the unknown and invite me in, that expand my senses and enlarge what it means for me to be human. 

CN: Would you talk to us about your novel As A Friend, that was published in 2008?
FG: It’s a short novel about the complexity of friendship, about how friendship can be composed not only of mutual admiration, but of jealousy, erotic attraction, and betrayal. And it’s the story of a poet who makes his living as a land surveyor and who acutely impacts the people around him. Remarkably, it has been a surprise hit here in the U.S. and there are already translations coming out in Germany and France. 
 
CN: Which obstacles do you have at translating the poetry of Coral Bracho, Jaime Sáenz or Pura López Colomé?
FG: They are three difficult poets, for sure. But as Lezama Lima reminds us, “Solo lo difícil es estimulante.” The work of Saenz is influenced by Aymara linguistic patterns and conceptions. Coral Bracho’s poems are among the most challenging in contemporary Mexican literature —her syntax is so slippery.  And Pura Lopez Colome, whose last book Santa y Seña won the Villaurrutia Prize, writes intense, even hermetic explorations of personal experience connected to language. I think translation is basically an impossible activity, but I think it is worthwhile nevertheless. All three of those poets have met new and enthusiastic English-speaking audiences in the United States. 
 
CN: Which are the authors that you most read? Which are your particular interests?
FG: It’s a great period for world poetry. In France, the mathematician-poet Jacques Roubaud and the philosopher-poet Edmond Jabes; in Denmark, the ecologically-focused Inger Christensen; in the Middle East, Taha Muhammed Ali and Aharon Shabtai. In the United States, it is still New Directions that publishes the writers I most want to read: Michael Palmer, Nathaniel Mackey, Bernadette Mayer, and Eliot Weinberger among others.  
 
CN: Where is going the contemporary poetry? Do you think there is a break between it and the models of last century?
FG: It’s in your hands, Christian. You and Fernando and the young poets of Mexico are going to take contemporary poetry into the future. 
 
CN: Finally, do you have any comment for the readers?
FG: Let’s keep crossing the borders —making connections between readers and writers in Mexico and readers and writers in the United States.  We need to be in contact with each other. One of the few positive consequences of the nightmarish Bush administration is an awakening in the United States to the importance of translation, to the importance of realizing that we are neither independent nor isolated from the rest of the world. New presses devoted to translation have begun to pop up. Now, I’m answering your questions on the day that Barack Obama is being inaugurated and I feel hopeful for the first time in years. Part of that hope is invested in the potential for making communities with others, across borders, through words, those magical tools that allow us to offer our world to others. 
 
Agradezco de manera especial el apoyo de Melisa Bermúdez para la realización de esta entrevista.

[Foto: Cortesía Forrest Gander]   


noviembre 20, 2012

mario bellatin_el vicio de la escritura

 

 

 El avance es ilusorio.

Desde Salón de belleza, Mario Bellatin ha venido desplegando su imaginario a partir de los cuerpos enfermos y las malformaciones físicas. «La belleza es hoy quirúrgica, química, ortopédica. La mayor transgresión al modelo de belleza es quebrar el principio de simetría», explica María Moreno en una cita recuperada por el autor dentro de su novela más reciente, El libro uruguayo de los muertos. Casi en un parpadeo, la Nueva Carne de Cronenberg y los infiernos distópicos de J. G. Ballard se asoman.

«Tener el pretexto del texto es fascinante. El pretexto del no texto más bien. Lo del escribir sin escribir, que me obsesionaba tanto, se hace de alguna manera real frente a esa experiencia», apunta Bellatin en esta obra que dirige a un lector anónimo, donde todo parece confluir al mismo tiempo: la estética del vacío, la lógica de una realidad enfermiza y la ética del horror cotidiano. Su destreza narrativa combina lo hiperbólico y la patafísica, al enfermo de sida con el ciego que da masajes en una estación del metro. Y todo es real.

Las tramas se rigen por la perplejidad ante lo insólito. Una doble de Frida Kahlo que labora en un mercado y encarga su mortaja fúnebre se enlaza con unos misteriosos muñecos distribuidos en varios puntos del malecón de La Habana y a un niño que sueña con unos toreros enanos en el interior de una casa de muñecas, sobre una azotea en la ciudad de México. El estilo es acumulativo, en cascada, y la perfección de lo impar nos lleva de una realidad a otra todavía más deforme, como la caja azul de Mulholland Drive.

Existe una voz que reflexiona también sobre los misterios de la resurrección de la carne, el sufismo y los medicamentos que deterioran el cuerpo. En El libro uruguayo de los muertos caben las observaciones de tipo sociológico acerca del carácter trágico del mexicano, los aforismos en clave siniestra y el diario personal. Bellatin explora la hibridación de géneros como pez en el agua. Un agua tóxica, de naturaleza clandestina. «Es una de las reglas fundamentales de esta narración–sacrificarlo todo menos el contar», escribe.

La ambición literaria de abarcar el todo por las partes remite a otras de sus novelas, Flores, en la que se explica que a través de una antigua técnica sumeria es posible construir complicadas estructuras narrativas con la adición de objetos. Fiel a sus pautas de estilo, el escritor-fotógrafo ha generado otro biombo japonés con una obra que encuentra en el vacío su principal motor y donde las cosas ocurren de forma paralela. El no tener nada que decir junto a la obligación de decirlo genera «sapiencia vacía», señalará en algún momento.

Además, Bellatin es aficionado a los perros. Compone listas y recupera anécdotas, adopta, nombra y hace planes para sus mascotas. «Cuando era niño unos andinos me vendieron un perro, me encariñé, lo llamé Bambi, y una semana después vinieron a buscarlo. Cuando mi padre les reclamó mataron al perro con una piedra en el cráneo», recuerda. Precisamente, durante un viaje a la selva de Loxicha ciertas personas del lugar solicitan la curación de sus males mediante la adoración de sus dos xoloitzcuintles, y ocurre la siguiente epifanía:

«Experimenté en carne propia, en aquel instante—en el de la consulta con el perro—, una verdad obvia: que el avance es ilusorio. Que nos trasladamos dentro de un círculo: en realidades alternas donde todo, un presente, un pasado y un futuro está conectado de manera tangible. Lo que puede cambiar son determinados tonos.» Sea pues El libro uruguayo de los muertos leído como una novela-Aleph, cuyo subtítulo resulta por demás certero: Pequeña muestra del vicio en el que caigo todos los días. 
Escribir, probablemente.



El libro uruguayo de los muertos (2012), Mario Bellatin. Sexto Piso, México. Primera edición.


noviembre 01, 2012

helnwein en méxico





Gottfried Helnwein (Viena, 1948) reúne 36 obras + 15 fotografías en la muestra retrospectiva Fe, esperanza y caridad, que se presenta actualmente en el Museo Nacional de San Carlos, en la Ciudad de México. De primera intención, las imágenes impactan por su hiperrealismo. Los visitantes dudan, se distancian para mirar desde una perspectiva más abierta los lienzos en formatos grandes. Pero después regresan y observan detalles minuciosos en la aplicación del color, el difuminado, las texturas. El crimen. No lo pueden creer.  
 

INFANCIA Y MUERTE: BIENVENIDAS
La sala inaugural abre el recorrido con Las siete virtudes de Pieter de Kempener, pintura del acervo del Museo San Carlos, que «ha sido seleccionada por el artista para tender el puente y crear el diálogo entre las piezas que expone y esta obra maestra del manierismo», según explica en el texto de sala Susan Crowley, curadora de la exposición.
Conceptualmente, Helnwein se ocupa de las tres virtudes teologales e introduce las cuatro cardinales —prudencia, justicia, fortaleza y templanza—a través de esta obra realizada alrededor de 1505-1580. No es el único vínculo que establece con la tradición. A menudo, su trabajo expresa una dialéctica entre el despliegue técnico y la subversión a los valores de la pintura clásica. Estrategia que recuerda a la del director austriaco Michel Haneke, quien acostumbra poner el dedo en la llaga de forma subrepticia. En El listón blanco (2009), por ejemplo, retrata a un grupo de niños sometidos por sus padres que veinte años después serán los principales actores de la Segunda Guerra Mundial, apenas sugiriéndolo con cintas en el brazo. Aquí los colores juegan una función necesaria. Helnwein recurre también al blanco, al rojo, a los tonos fríos, y al miedo.

De esa generación nazi, educada bajo el protestantismo alemán puro y duro, se origina una reflexión acerca de la violencia que surge durante los conflictos bélicos y las atmósferas de profunda ambigüedad moral. Nada más conveniente y mejor contextualizado en un país como México. «En un niño lo ético está intacto, por eso me parece que son sagrados —explica Helnwein. Pero también son vulnerables e indefensos, y parece que los adultos, mediante sus moralismos y su modo de entender la justicia, tienden a traicionar la confianza que los niños han depositado en ellos.»

EXTRAÑA QUIETUD
Así pues, cada pieza incluye su propio comentario crítico. Las niñas mantienen los ojos cerrados (Cabeza de niña III, 2001) o sangran despertando de una pesadilla, con la cabeza vendada y púrpura o el pecho salpicado de sangre —El murmullo de los inocentes 8, 2010, y Los desastres de la guerra 28, 2011. En ocasiones miran fijamente hacia un punto externo a la tela y nos observan volviéndonos testigos de algo —el caso de Cabeza de niña 14 (Anna), 2012, donde una pequeña recostada nos enseña parte de su rostro y un ojo azul aguamarina, y todo parece tranquilo, vacunado con una extraña quietud. Otras veces, a falta de sangre y heridas, contemplamos caras de una palidez sospechosa (El murmullo de los inocentes I, 2008). 

Mediante un segundo hilo conductor Helnwein repasa, con una gama cromática que remite a las fotografías negro-azulosas de los años cuarenta, varios fenómenos vinculados al ejército nazi, y los fusiona con la imaginería cristiana. Como en Epifanía I (La adoración de los magos 2), 2010, donde el Niño Jesús es inspeccionado por un grupo de militares. De ahí se desprende una subtrama protagonizada por Mickey Mouse y el Pato Donald, dos íconos pop que pierden naturalidad al ser recontextualizados en ambientes turbios —Anunciación (Ratón 12), 2010.  A la desdicha, el pintor añade una saludable dosis de humor e ironía catártica. «El mundo es una casa embrujada, y Helnwein es nuestro guía a través de ella», anota Sean Penn. ¿Alguien quiere un helado?

El viaje continúa con un documental de Claudia Schmid, Helnwein–The Silence of Innocence, varios dibujos «que van desde el realismo crudo hasta el expresionismo brutal» y una extraordinaria coreografía compuesta por niñas levitando con el rostro vendado sobre fondo rojo en Los sueños infantiles 7, 2012. Después vienen dos series fotográficas famosas, realizadas para artistas de la escena rockera: Marilyn Manson posa en The Golden Age, 2003, y los músicos de Rammstein se colocan artefactos de tortura en el rostro para Sehnsucht, 1997. Por último, los visitantes podrán generar conclusiones propias dentro del Espacio de Reflexión que, a manera de mea culpa, se reservó al final del recorrido. Pasar por aquí no es estrictamente necesario.
 
+ HELNWEIN
Fe, esperanza y caridad es una de las 3 exposiciones que Helnwein presenta en México por estas fechas. La Galería Hilario Galguera exhibe otra dosis de violencia congelada en El canto de la aurora; el monumento a la Revolución Mexicana alberga Santos Inocentes–Una mirada de Helnwein a México, y en la Plaza de la República fueron instaladas algunas fotografías de la misma serie, en las que Helnwein regionalizó su propuesta con niñas mexicanas y elementos prehispánicos. Vayan, vean, sangren: sean niños otra vez.

 
Publicado originalmente en La Semana de Frente [01.12.2012]