evangelion_ángeles y demonios (mentales)

El anime de culto llega a Netflix.

¿Están listos nuestros campos AT

para soportar el tercer impacto?

Precious and fragile things

Need special handling

My God what have we done to You?

Depeche Mode

Un ángel anuncia la llegada

El 26 de noviembre de 2018, un video fue publicado en la cuenta oficial de Netflix. Con un tráiler de un minuto con ocho segundos, el líder de las plataformas de streaming anunciaba en redes sociales la llegada de Neon Genesis Evangelion a su catálogo 2019.

Dicha revelación generó gran expectativa, tanto entre los viejos fanáticos que han entregado su devoción a la serie creada por Hideaki Anno y estrenada originalmente en la década de los noventas como a los usuarios menos entendidos que veían cómo el nombre de la producción se filtraba en blogs, pláticas con los amigos y memes, elevando la emoción del estreno al nivel de un acontecimiento digno de presenciar.

La espera ha terminado. El 21 de junio fue la fecha elegida, justo durante las últimas horas de la primavera. Evangelion, la serie original, la película recopilatoria Death and Rebirth y el largometraje de conclusión The End of Evangelion están disponibles para ver en japonés y con doblaje a diferentes idiomas. Todo parece en orden. ¿Pero estamos listos? Esa es la verdadera pregunta.

El primer impacto: Ciencia ficción

Neon Genesis Evangelion apareció por primera vez en octubre de 1995 y finalizó en marzo del año posterior, y con 26 episodios estrenados en ese periodo, generó la polémica y la fama que hasta ahora continúan discutiéndose con fervor. Por eso no debe extrañarnos que el anuncio de su llegada a Netflix sea relevante, y el estreno sirva como excusa para conocer por primera vez este universo distópico, o para revisitarlo tras una larga espera.

Identificar cuál es la sustancia que hace tan especial a NGE es casi tan alucinante como ver de nuevo la serie, ya que es una de esas contadas producciones que juegan, de forma casi manipuladora, con los sentimientos del espectador. Pero vayamos por partes.

En el lado más superficial, y durante los primeros episodios, veremos una historia de ciencia ficción. Shinji Ikari, un adolescente de 14 años, se ve obligado a formar parte del programa Evangelion, un sistema de defensa constituido por mecas del mismo nombre, los cuales tienen la misión de acabar con los ángeles, unas criaturas que buscan destruir Tokio III, el último bastión de la humanidad. Shinji, en compañía de Asuka, una niña prodigio alemana, y Rei, una enigmática chica de pocas palabras, serán los encargados de pilotar los EVA’s para acabar con cada uno de los ángeles que amenazan la ciudad japonesa.

Pero conforme los episodios avanzan, uno va identificando signos, patrones que se repiten, flashbacks del pasado. Las dudas empiezan a surgir: ¿Qué son los ángeles? ¿Quién es Rei? ¿Por qué llora Shinji? Es entonces cuando Evangelion empieza a retirarse la máscara para evidenciar su verdadero rostro, lo que la aparente trama repetitiva de ciencia ficción nos oculta.

El segundo impacto: Lo psicológico

Los personajes van desarrollándose conforme la serie avanza. Conocemos el pasado trágico de Shinji al ser abandonado por su padre tras la muerte de su madre, los traumas sentimentales de Misato, la tutora de Shinji y teniente a cargo del programa Evangelion, la misteriosa presencia de Gendo, el padre de Shinji y director de NERV, y el aura impenetrable de Rei.

La narrativa comienza a tomar tintes más oscuros, examinando aristas emocionales en cada uno de los personajes. El amor propio, la codependencia, el egoísmo. En este ámbito, las siluetas adquieren mayor nitidez y superan su función dentro de la trama de ciencia ficción, ya que cada perfil está perfectamente caracterizado, todos tienen una historia, un trasfondo que deja en evidencia su estructura psicológica. Viven acomplejados, con traumas que han cargado durante años, y que el guión explota de manera ejemplar para crear conexiones entrañables con el espectador.

Y van cayendo cada vez más.

Sus valores morales, su estabilidad psicológica y emocional se ve afectada cuando descubren el secreto de NERV y los EVA´s. Los protagonistas se vuelven víctimas de sus demonios internos, fallan en todo lo que hacen, crean su propia espiral que los corroe hasta convertirlos en la peor versión de sí mismos, inhabilitándolos cuando el desenlace está cada vez más cerca y el oscuro plan de Gendo se devela. El amor es una excusa maravillosa para el fin del mundo.

El tercer impacto: Lo simbólico

Lo simbólico es uno de los elementos más ricos de la serie, y el motivo por el cual me enganché tanto con ella la primera vez. Desde el título podemos encontrar una obvia referencia bíblica. Pero los nodos simbólicos van más allá, con representaciones religiosas cristianas y judías. También son evidentes las alusiones a eventos históricos, así como a la milicia u otras obras literarias y animaciones de ciencia ficción que han sido confirmadas por el mismo autor.

Los símbolos aparecen desde el primer episodio y revelan de manera dosificada el desarrollo de la historia y el fatídico desenlace de los capítulos 25 y 26, los más extraños en cuanto a composición y estructura, ya que nos adentramos en la mente de Shinji mientras busca en sus recuerdos cuál es el verdadero sentido de la vida. En sus memorias fragmentadas, todos los personajes con los que interactuó aparecen para hablar con él, intercambian diálogos crípticos cuyo sentido desconoce hasta que descubre la lección que debe aprender. A través de estos mensajes, de esta especie de conciencia superior, y surfeando entre recuerdos propios y ajenos, se revela la enseñanza, el enigmático final feliz. El apocalipsis debe ser una catástrofe radiante. Al menos para Hideaki Anno.

disenchantment_érase una vez

 

Una princesa, un elfo

y un demonio entran a un bar.

 

Íconos pop

Érase una vez un caricaturista capaz de crear familias amarillas y traer futuros al presente. Su talento traspasó fronteras y sus creaciones se volvieron íconos de la cultura pop. Matt Groening, autor de la serie más longeva de la televisión, Los Simpson, se ha aventurado una vez más a traspasar el umbral del tiempo, enfrentándose al pasado medieval en Disenchantment, su nueva serie exclusiva para Netflix.

Bean y compañía

Disenchantment nos ubica en una tierra medieval, con los paisajes, situaciones y personajes que ahí habitan. La historia gira en torno a Teabeanie—Bean para los amigos—, la princesa del reino Dreamland, quien, acompañada de Elfo y Luci, su demonio personal, pasan por todas las aventuras que una princesa no debería experimentar. La premisa se refuerza cuando profundizamos en cada perfil: Bean es una chica rebelde antes que una integrante de la realeza. Ludópata, bebedora e impulsiva, con una tendencia a hacer todo lo que pueda enojar a su padre, el rey Zøg. Por otra parte, los roles secundarios contrastan y enriquecen el temperamento de la princesa: Elfo, una no-tan-inocente criatura pero que siempre intenta hacer el bien, y Luci, un demonio errático que solo quiere ver el mundo arder. De cierta manera, ambos funcionan como un polo de la conciencia de Bean, ayudándola—o no—a enfrentar las situaciones en las que se ve involucrada, la mayoría de las veces por culpa propia.

Existen muchos otros personajes secundarios que desbordan el protagonismo del trío principal: Bounty, la mucama de Bean, Stan el verdugo, Cloyd y la Encantadora, el rey Zøg. La diversidad enriquece la narrativa; permite que el mundo se sienta vivo. Sin embargo, también es un punto a desfavor, ya que deja ver a los protagonistas bastante planos respecto a sus contrapartes secundarias, de las cuales, en ocasiones, tenemos escaso contexto y nos quedamos con ganas de saber más.

Humor amarillo en tiempos oscuros

Como todo el trabajo previo de Groening, la nueva serie está plagada de su particular sentido del humor. Uno bastante inteligente sin llegar a lo erudito; sencillo, pero bien elaborado. Gran parte de este recurso se apoya en la sátira y el ridículo de situaciones medievales reales, o fantasías y supersticiones propias de la época. Uno de los ejemplos más emblemáticos surge al inicio de un episodio, donde Bean es recluida en un convento y debe enfrentar su espíritu liberal contra la cerrada ideología del culto. Disenchantment  se apoya también de las referencias a otras historias, como Hansel y Grettel, e incluye un breve cameo de personajes de Futurama.

El humor lubrica el desempeño de los capítulos, ofreciendo espacios para relajarse después de momentos de acción. Incluso sirve como detonante para otros chistes o para que el episodio continúe su ruta. Como en las animaciones previas de Groening, hay una trama individual para cada episodio que, al mismo tiempo, forma parte de un entramado más grande, el cual corresponde a la estructura de la serie completa. Un recurso bien ejecutado, aunque en ocasiones subordina capítulos redondos para insertarlos en la historia principal.

 

¿Y la magia?

Disenchantment cuenta con un total de 10 episodios, los cuales son solo la mitad de la serie completa hasta ahora. Dado que Netflix solicitó 20 capítulos, al menos una segunda temporada ya está confirmada. La serie mantiene un magnífico desempeño, con risas legítimas y el toque de humor ácido del caricaturista. El mundo mágico en el que se desarrolla es propicio para las tramas irreales que llevan al límite lo absurdo. Su breve duración es otra ventaja, ya que puedes ver un par de episodios al día sin derrochar tantas horas. De hecho, la duración de la primera temporada no es nada extensa: fácilmente se puede ver durante un maratón de fin de semana.

A pesar de no ser un fan acérrimo de su creador, mientras veía Disenchantment pude entender porqué se volvió un ícono del entretenimiento para adultos. Además del apropiado manejo del humor, sus personajes son pintorescos y dotan de vida a las aventuras que los protagonistas enfrentan. La combinación del universo fantástico con tramas más modernas da como resultado una odisea divertida e interesante que vale la pena ver. Lo mejor que se puede hacer ante una serie como esta es llenar el mejor tarro de madera que encuentres, colocarte una corona, aterrizar en el sillón más cómodo de tu casa y estallar de risa como un rey medieval mientras dejas que el bufón Netflix te divierta varias horas, al menos hasta que concluya la primera temporada. Lo que dure el encanto.

 

Disenchantment

Matt Groening + Josh Weinstein

Disponible en Netflix

 

cuphead_un infierno para salir del infierno

 

No hagas tratos con el Diablo.

 

Con el corazón en la mano

Los videojuegos son capaces de sorprendernos y emocionarnos. Con sus estructuras narrativas impecables, algunos mantienen a los jugadores atentos a cada diálogo. Otros proponen nuevas formas de ver cierta realidad, rompiendo los arquetipos dentro de sus respectivos géneros. Los más irreverentes captan la atención con propuestas extravagantes que seducen a más de uno. En el proceso, no solo controlamos un joystick: también demandamos nuevas aventuras, mundos y personajes. Uno de los estudios independientes que ha sabido escuchar a su público es MDHR, responsable del adictivo y desafiante Cuphead. Título liberado en septiembre de 2017 tras varios meses de expectativa, no solo es un plataformero nostálgico para veteranos, sino una pieza artística hecha con especial dedicación: todos los gráficos, realizados a mano, poseen una estética que rinde homenaje a las animaciones de los años treinta. Sin duda, una de las cartas fuertes de Xbox. Y, por supuesto, una aventura bestialmente difícil.

 

Cuatro años de espera

Cuphead mostró su primer tráiler durante el verano de 2013, en el panel de Xbox en la E3, la convención de videojuegos más importante de nuestros días. Su lanzamiento estaba previsto para algún punto de 2014; sin embargo, sufriría constantes retrasos. Esta demora provocó que la emoción inicial disminuyera. Las especulaciones sugerían una posible cancelación del proyecto. Durante los tres años posteriores, Cuphead seguía en el limbo, y no fue hasta la edición del E3/2017 cuando por fin una fecha pudo ser tangible: el 29 de septiembre del mismo año, tras una larga espera, vería la luz en las plataformas de Steam para PC y Xbox One.

 

A happy journey 

Tras una buena racha de partidas en el casino, Cuphead y Mugman, dos criaturas con cabeza de taza, son desafiadas por el dueño del lugar—el mismísimo Diablo—y pierden todo, incluidas sus almas. Para liberarse, deben reclamar las almas de otros deudores (en forma de contrato), y llevárselas a su dueño. Así comienza esta aventura que contrasta definitivamente con la estética alegre de sus mundos. Cada uno de los escenarios y personajes se inspira en caricaturas clásicas: Betty Boop, Popeye el marino o clásicos de Disney como Steamboat Willie. Tales referencias crean un efecto de familiaridad y nostalgia, sobre todo si se escucha con detenimiento la banda sonora, repleta del jazz de la época. En conjunto, la atmósfera es una de las más originales de la actual generación. Además del homenaje gráfico, el gameplay de Cuphead rinde tributo a videojuegos que han hecho historia, desde Contra hasta Final Fantasy.

¿Tienes lo que hace falta?

Seamos directos: este título castiga a los jugadores desesperados y recompensa a los más pacientes. Cuphead, además de ser un caramelo visual y sonoro, puede volverse un dolor de muelas por su elevada dificultad. A medida que superamos las islas del mapa, la complejidad aumenta no solo en los niveles de plataforma, sino también con los jefes. Estos poseen mecánicas que solo pueden aprenderse a través de un doloroso y repetitivo proceso de morir y reiniciar las batallas. Dentro del juego existen mejoras (perks) que pueden ayudarte en ciertos escenarios; la correcta combinación de ellas y las diferentes armas disponibles pueden darte la victoria o hundirte aún más en la locura. Algunos jefes imposibles son el Dr. Kahl’s Robot, Beppy the Clown y King Dice, el lugarteniente de nuestro antagonista, el Diablo.

Oda y legado

Cuphead es una sorpresa bien recibida, un regreso a la niñez y una Polaroid que consigue transportarte al sábado por la mañana en la sala de tu casa, viendo dibujos animados antes de conectar la consola, soplar un cartucho hasta que la máquina lo reconozca, ver el destello en la pantalla de televisión y contemplar el movimiento de los pixeles en el estrafalario menú para oprimir el botón de Start. El mérito de MDHR radica en la pasión que los desarrolladores imprimieron a su obra: integraron calidad y nostalgia en una experiencia única, que nos hace reflexionar sobre si los videojuegos acarician la esfera artística. Con una expansión que agregará nuevos niveles, más historia y un nuevo personaje jugable (Ms. Chalice), el futuro de Cuphead está asegurado. Un clásico hecho a lápiz y papel, inmortalizado en códigos informáticos, la dosis exacta de amor, odio y desesperación en la memoria de los jugadores.

 

distopías cinéfilas

Esta historia continuará.

 

1. Las distopías de hoy se plantean en términos de control poblacional mediante nuevas tecnologías, la trinidad robots/androides/humanos, el agotamiento o suministro fascista de recursos terrestres, invasión de nuevos planetas y un clima de menopausia social que funciona como burbuja dramática.

2. El cine distópico reúne dentro de sus historias uno o más factores de fracturas sociales y colapsos inminentes. Cada director amplía su marco de acción hasta donde la creatividad, el presupuesto y el ingenio lo permiten. No faltan las producciones basadas en libros. Porque, de hecho, la narrativa es el jardín botánico de los bonsáis distópicos.

3. Antropófagos e infectados: La carretera (John Hillcoat, 2009) se basa en la novela homónima de Cormac McCarthy, ganadora del Premio Pulitzer 2007. El videojuego The Last Of Us (2013), del estudio Naughty Dog, también se inspira en esta historia. Y la película Maggie (2015) es un trasunto de la misma trama.

4. Catástrofes planetarias: En Snowpiercer (Bong Joon-ho, 2013), un tren transcontinental divide a los únicos sobrevivientes de una glaciación en dos únicas clases sociales. Elysium (Neill Blomkamp, 2013) plantea un futuro donde los ricos habitan un paraíso espacial apartados de la miseria y anarquía de la Tierra.

5. Infiernos sociales: Ya sea por control poblacional y aplanamiento de las emociones, como en Equals (Drake Doremus, 2015) o por el fanatismo genético hacia las enfermedades de los famosos—el caso de Antiviral (Brandon Cronenberg, 2012)—, los seres humanos somos máquinas de infelicidad infinita.

6. Anarquismo contra el sistema: Desde películas como V de Vendetta (James McTeigue, 2005) hasta series como Mr. Robot (2016/2016), de Sam Esmail, pasando por blockbusters del tipo Mad Max: Furia en el camino (George Miller, 2015), la rebeldía siempre ha sido bien vista dentro de las tramas distópicas.

7. Depresión galáctica y clones: Basada en la novela homónima de Kazuo Ishiguro, Nunca me abandones (Mark Romanek, 2010) narra la historia de un par de chicos creados genéticamente para donar sus órganos. Melancholia (Lars von Trier, 2011) explora el lado más depresivo y bipolar de una colisión interplanetaria.

8. Animé desalmado: Mención aparte merecen piezas maestras del animé que no debes perderte. La saga Ghost in the Shell, originalmente lanzada en manga por Masumune Shirow en 1989, es referencia obligada. Lo mismo que Evangelion, la obra maestra de Hideaki Anno, saturada de sangre, culpa y misticismo.

9. La distopía nace como una observación pesimista frente al estado actual de cosas. Sobrevuela más allá del espacio y el tiempo. Recurre a lo ficticio para desnudar verdades incómodas. La burbuja de lo real estalla: creemos percibir qué hay del otro lado. A su modo, es ingenua. Predica que el cambio está por venir.

10. Paradójicamente, es el desfase entre la esperanza futura y la desesperanza presente lo que anima una buena parte del sistema de creencias distópico. La maquinaria idealista nos reclama altas dosis de fe; somos una raza testaruda. Del caos surge nuestro heroísmo, y viceversa. Como en la saga de Alien, lo distópico está en nosotros.

próxima estación_hora de aventura

Un viaje fantástico al reino de Ooo.

Adventure Time es una de las animaciones más extrañas que haya visto. La conocí un día nublado, en la Ciudad de México, de regreso al departamento que compartía con un par de roomies cerca del metro Juanacatlán. Todos los viernes solía salir del trabajo para abastecerme de libros, videojuegos, películas (preferentemente de terror) y prácticamente de cualquier rareza pop que me cautivara.

Investigué que su creador, Pendleton Ward, había egresado del Instituto de Artes de California. Pero esos detalles uno los rastrea fácilmente en Google. Lo que realmente me sorprendió de esta serie de Cartoon Network es su fabulosa capacidad de inventiva (con la séptima temporada en curso) y los recursos narrativos que siempre se expanden y desafían la imaginación del espectador, sin que el rango de edad importe demasiado.

Hay grandes historias, y todas encapsuladas en 11 minutos. Hay amor, lealtad entre amigos, un sentido de la justicia insobornable, y cierto reclamo ecológico por el futuro de nuestro planeta—recordemos que los héroes fueron sacudidos por un holocausto nuclear. Hay situaciones surrealistas hilarantes, canciones pegajosas como chicles de fresa y mucho humor absurdo. Un mundo abierto, flexible y alucinante nos espera.

Adentrarse en Hora de Aventura es fácil. Sus personajes nos enseñan que en la variedad está el sabor. Una princesa nerd, un hermoso unicornio que habla un lenguaje desconocido y una consola de videojuegos portátil son solo tres ejemplos. Y, claro, están Finn y Jake, que son una versión millennial de los épicos Don Quijote y Sancho Panza, con sonido de ukelele al fondo. Y mucha, mucha diversión.

El éxito de la serie ha sido tal que ya circula por Internet una cantidad insospechada de explicaciones (¡de lo conspiranoico a lo francamente ridículo!) sobre sus episodios. Así las cosas en el reino de Ooo. 

¡Algebraico!